Чтобы сориентироваться в театральной жизни Москвы, нужно довольно много времени. Здесь сложно говорить о какой-то единой тенденции: есть театры с «классическими» постановками, где десятилетиями ничего не меняется, есть режиссеры-экспериментаторы — для того, чтобы понимать их спектакли, нужно очень многое знать. И, конечно, множество театров посередине: тихие и громкие, старые и молодые.

Для анализа удобнее выбирать не очень длинный спектакль: сконцентрироваться на два–три часа безусловно проще, чем до полуночи постигать режиссерский замысел.

К встрече с постановками Константина Богомолова, Бориса Юхананова, Дмитрия Волкострелова, Кирилла Серебренникова, Дмитрия Крымова, Юрия Бутусова и многих других нужно подготовиться: часто без знания контекста (предыдущих постановок этих режиссеров, важных для них книг, фильмов, музыки, направлений, учений и т.д.) смысл уловить сложно.

Для новичков подойдут спектакли, поставленные по произведениям русской и зарубежной классики. Здесь будет проще сориентироваться не только в содержании и наполнении спектакля, но и в истории его создания: как из литературного произведения получилась современная постановка? Этот вопрос является очень важным для исследователя. Такие спектакли можно посмотреть, например, в СТИ или в МХАТе.

Программа спектакля и буклеты помогают сориентироваться в именах создателей, использованных материалах и обратить внимание на выделенные авторами мысли. Тем не менее, полностью полагаться на них не стоит: коммерческие буклеты выполняют функцию привлечения внимания, а не целостного анализа спектакля.

Приступая к работе, постарайтесь составить свою программку и зафиксировать в ней следующие пункты: где ставится спектакль сейчас — только ли в России (или только в одном городе) или же он был уже не раз вывезен на гастроли; кто является создателем (один человек или несколько); какие актеры участвуют в постановке (важно учесть весь состав, даже тех, кто не был задействован непосредственно в том спектакле, который вы смотрели); сколько времени длится спектакль (стоит записать и то, сколько времени сидят зрители в ожидании начала действия, это может быть важно для понимания идеи автора спектакля).

Стоит также рассмотреть интерьер: портреты театральных деятелей и писателей часто намекают на преемственную связь театра с ними, а в архитектурных и дизайнерских решениях отчасти содержится дух конкретного театра.

Для филолога анализ текста спектакля — важная, но далеко не единственная задача. На реализацию режиссерского замысла работает еще множество других сфер. Однако к восприятию текста удобнее всего подготовиться, перечитав произведение(-я), на основе которого(-ых) создан спектакль. Стоит прочитать и другие значимые работы автора и его современников, так как режиссер может отсылать не только к заявленному в названии тексту.

Фиксируйте отступления от взятого за основу произведения — это поможет впоследствии вычленить режиссерскую идею. Обращайте внимание на то:

- какие фразы повторяются, и повторяются ли они в первоисточнике;

- сохраняется ли последовательность реплик и эпизодов;

- в какой ситуации произносятся реплики, соответствует ли это первоисточнику.

Если спектакль ориентируется на драматическое произведение, то нужно следить за структурой (действиями, явлениями) и за тем, что оставлено в тексте без изменений, а что изменено или «выброшено».

Постановки по эпосу и лирике требуют особого внимания; важно следить за тем, как не предназначенный для постановки текст переносится на сценическое пространство.

Сложность анализа спектакля заключается еще и в том, что внимание должно быть рассредоточено: пока мы наблюдаем за речью или передвижениями героев, музыкальное оформление может остаться незамеченным — а звук в современном спектакле очень важен. Здесь стоит иметь в виду:

- песни, кем они исполняются, в какой ситуации;

- фоновая музыка;

- звуковое оформление: скрипы, свист, разнообразный шум — все это способствует выражению идеи.

Отдельное внимание стоит уделить освещению. Постарайтесь зафиксировать, в какой момент включился и выключился свет, насколько сильно он направлен на зрителя и сцену, как он задействован в постановке: есть ли какие-то световые эффекты, как освещаются актеры, как освещен зрительный зал до и после спектакля.

Современный танец не менее интересен, чем театр, и часто одно перетекает в другое. У одних персонажей движения могут быть резкими, как у роботов, у других — медленными и плавными. Перемещения по сцене могут быть устроены очень сложным образом, и на них стоит обратить внимание при анализе (например, «Вакханки» Теодоруса Терзопулуса в Электротеатре).

В одних спектаклях декорации будут неизменными на протяжении всего действия, в других они постоянно сменяются и пересобираются. Декорации — это окружающая героев среда; они взаимодействуют и влияют друг на друга.

Костюмы тоже не мыслимы вне идеи спектакля. В первую очередь они показывают, в какую эпоху происходит действие спектакля (и совпадает ли она с временем написания текста). Кроме того, костюм отражает образ персонажа и погружает зрителя в происходящее.

С помощью повтора режиссер подчеркивает выраженную (словами, жестами, движениями, декорациями и т.д.) мысль. В театре повторы важны в частности потому, что «перемотать» спектакль, «перелистнуть» на несколько сцен назад невозможно.

Немаловажно во время спектакля обращать внимание на зрителей и их реакцию. Современный театр стремится вовлечь зрителя в действие спектакля. Режиссер может провоцировать зрителя не только актуальной темой, но и действиями актеров. Для этого часто используется звук, свет, задержки спектакля, долгие паузы в середине действий, «подсадные» зрители в зале, которые могут как-то по особенному повернуть действие спектакля, демонстративно реагируя на происходящее.

Кроме того, нередко люди уходят из зала, потому что им стало скучно или неприятно смотреть на происходящее на сцене. Это также может помочь в анализе самого спектакля: насколько он отвечает тому, что хочет или не хочет видеть на сцене зритель и почему.